praise on Insalata Statica: 

Insalata Satica - COVER

The Wire (Lottie Brazier)

Borrowing from Loic Sturani’s 2003 film Vegetable Thriller the video teaser that accompanies Italian pianist and composer Giovanni Di Domenico’s new album displays a strange vision of brightly coloured vegetable matter that dissolves rapidly in and out of focus. Presented in this visually disorientating way, familiar textures are dissected and and skewed to the point where they are unrecognisable. Its musical counterpart Insalata Statica instead makes familiar chord progressions sound unfamiliar, yet strangely comforting. Although not divided by individual tracks, Insalata Statica (translating from the Italian as Static Salad) can be thought of as being comprised of sections not dissimilar to those found on Mike Oldfield’s Tubular Bells or Hergest Ridge.

There isn’t much space on this lengthy recording – much of it is filled with layer upon layer of texture – but it never becomes a claustrophobic listen. The reverberating piano is played decisively and serves as a lead instrument. Gradually introducing more instrumentation to each section, Domenico sounds as if he is accompanied by a full band, though most of the recordings are his own. Simple melodies shift as contrasting but related scenes in a film, switching mood constantly but with ease. Insalata Statica’s introduction includes a rare moment of sampling – the chattering of birds – though overall the sources of these high pitched sounds are not distinguishable. At one point there is something like a pumping heart as heard through a stethoscope, but here the pitch of each contraction is much higher than it would naturally sound.

Insalata Statica homages influences such as Philip Glass’s piano études and Steve Reich’s phasing, but it does so with considerable charm and lack of contrivance; the structures that Di Domenico creates sound loose, as if they have been jammed out rather than considered, with a sensitivity and warmth to the manner in which they unfold.

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Touching Extremes (Massimo Ricci)


Once again, let me start a review from the analysis of the press release. A couple of striking notes emerge. One is a relative comparison of Insalata Statica with Jim O’Rourke’s The Visitor; indeed, scents of JO’R’s sonority are present which might be acceptable, especially in view of the recent cooperations between him and Giovanni Di Domenico.

The second is a reference to Franco Battiato’s oeuvre of the 70s, an out-and-out offense in spite of Di Domenico’s admitted liking of those overrated pastiches. The difference – at least for a detached observer trying to age with a degree of dignity – is that multi-instrumentalist Di Domenico can compose, orchestrate and play for real. Battiato’s so-called experimental era was the result of a smartly concealed fraud.

This album – constructed upon a 40-minute suite – is a small treat. Its compositional distillation – not devoid of barely perceivable details that may only be acknowledged by experts in combined resonances – translated into charming music of palpable profundity. In several circumstances its harmonic wealth gets pushed towards other climates, occasionally bordering on mild disorder. Nevertheless, an underlying feeling of suaveness persists in those moments, too.

Assembled over the course of five years after singularly recording its sections, the composition appears to this reviewer as a sincere homage to the truly progressive opuses of the aforementioned decade more than anything else.

This does not imply any attempt of shameless imitation. Di Domenico did throw a little of everything in there while managing to restrain himself quite a bit. To exemplify the concept: certain interlocking patterns could recall Steve Reich for a fleeting instant, but there’s no time to even pronounce that similarity as the scene changes to an altogether diverse mood, perhaps characterized by fuzzy electric guitars and gentle drumming in Canterbury-esque sauce.

The fluid alternance of freshness and strong coloring, of vivid pulse and serenity, was probably the decisive intuition for the successful realization of this piece.

I am not swearing to the gods when affirming that a “conceptual kinship” coming to mind was that with the best Mike Oldfield. Before you laugh, remember: Hergest Ridge is a hell of an undersung record (moreover, one can’t cover the role of sound engineer for Henry Cow by being a slouch).

Still, this is entirely Di Domenico’s soul. It smiles and nods to us, inviting to come in without apprehension. The efforts in the studio have definitely been repaid: I have savored the “static salad” four times already. A self-promise for the future is to return to it when possible.

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Onda Rock (Leonardo Di Maio, in Italian….)


Avevamo lasciato il pianista e compositore romano (benché ormai belga a tutti gli effetti)Giovanni Di Domenico con delle ottime prove discografiche, “Delivery Health” (Silent Water, 2015) e “Arco” (Die Schachtel, 2015) su tutte. Nota è la sua amicizia con il genialoide Jim O’Rourke, che spesso e volentieri ha suonato nei suoi dischi. Di Domenico ha sempre stupito per il suo gusto e il peculiarissimo stile che sa coniugare il free-jazz più avanzato con la musica d’avanguardia più colta, ma allo stesso tempo anche parecchio emozionante e comunicativa.

In questo scorcio di inizio autunno è uscito il suo nuovo disco (edito nel solo formato in vinile), “Insalata Statica”, che è, senza mezzi termini, un bellissimo disco di musica avantgarde come da tempo non ne sentivamo. Con “Insalata Statica”, Di Domenico ha inciso il suo personale “Tubular Bells” (Virgin, 1973), componendolo e registrandolo in completa solitudine con il solo ausilio di strumentisti esterni.
Esattamente come il capolavoro di Mike Oldfield, anche “Insalata Statica” è formato da un’unica suite dalla durata di quaranta minuti, suddivisa in nove tranci uniti tra loro come un unico flusso di coscienza, costituendo così un affascinante dedalo-mosaico sonoro. Dal suo amico O’Rourke, il pianista romano ha tratto sicuramente ispirazione dal capolavoro “The Visitor” (Drag City, 2009), specie per quanto riguarda tutte le varie orchestrazioni e arrangiamenti, che sono di gusto squisito.
La suite ha un inizio musicale assai pacato, con poche note reiterate dei fiati e di pianoforte (sia elettrico che acustico). Poi, il tutto si trasforma mediante un continuum di accordi prodotti da un harmonium che poggiano su varie distorsioni, che portano infine a una dolce melodia intonata dal piano e dal clarinetto. Man mano che si procede, entra a far parte anche una base ritmica e qui si viene trasportati nel più puro stile della scuola di Canterbury(gli Henry Cow di “Leg End” potrebbero essere un plausibile esempio).

Si procede poi con uno strano mix tra il primo Mike Oldfield e i Popol Vuh più elettrici (quelli di “Einsjager & Siebenjager”, per intenderci), per essere infine trasportati nella piena epoca d’oro della Ecm di Monaco, con Di Domenico che prende spunto addirittura da Keith Jarrett. La medesima melodia viene in seguito trattata elettronicamente, fino a diventare cadenzata e a riportarci nei territori cari a Fred Frith e a Tim Hodgkinson.
Il disco termina inaspettatamente con una fanfara dal gusto brasiliano e l’album volge al termine con una gioiosa melodia, che va sfaldandosi fino alla fine.

Ananta Roosens alla tromba, Joao Lobo alla batteria (altra vecchia conoscenza, essendo un componente del trio di Giovanni Guidi), Jordi Grogrard ai clarinetti, Niels Van Heertum all’eufonio e Vera Cavallin all’arpa hanno permesso a Giovanni Di Domenico di arrivare finalmente al suo capolavoro musicale.
A noi non resta altro che applaudire. Questa è sul serio musica d’avanguardia d’alta classe e il pianista-compositore romano possiede tutta la creatività di uno Steve Beresford meno cacofonico.




praise on Sir Robert Williams:


by ‘The Wire‘ (Katrina Dixon, in english)

Rippling brass, woodwind and guitar open Sir Robert Williams by Oba Loba, a collaboration by the Lobo brothers in Brussels, recorded in 2015 with others including Giovanni Di Domenico and Jordi Grognard. The chanson-like instrumental “Legionella” that embraces a soaring romantic melody is the first of eight graceful, sonorous tracks. Descending into the reed and vocal drone of “Macarrones”, paradiddles and high-pitched piano fuel electric guitar and clarinet as they call and answer. “O Funambulo Sonambulo” sets an electric guitar driving across a swaying processional melody, “Honiara” is a jaunty brass and flute-led slice of sunshine pop and the juddering violin and quietly dissonant noise leading into “Chuva” cast a glittering shimmer as the arrangement then dissolves in waves to a low clarinet note and throbbing echoes, found conversation and guitar twangs and violin scratches against a wistful piano melody.


by ‘Jazzenzo‘ (Georges Tonla Briquet, in dutch): link

‘Sir Robert Williams’ is het tweede album van Oba Loba, de groep rond de Portugese gitarist en bassist Norberto Lobo en drummer João Lobo (geen familie) met rond zich een gezelschap van muzikanten uit het Brusselse improvisatiemilieu.

Op deze vinylplaat (met download) draait alles rond filmische composities waarin heel verscheiden invloeden verweven zitten, gaande van kamermuziek en Pink Floyd – de beginperiode – tot het werk van de Griekse componiste Eleni Karaindrou en een luchtig popdeuntje. Het samenbrengen van een warme zuiderse atmosfeer en onderkoelde Scandinavische sfeerscheppingen leidt tot een melancholische intensiteit. Van ultra intimistische dronetrance tot een vederlicht zomers liedje. Een akoestisch luisterspel waarin elkeen zijn rol evenwaardig is en geproduceerde klankencombinaties een langzame metamorfose ondergaan om uit te monden in nieuwe fascinerende creaties.

Een aanrader voor wie recent ook de platen kocht van sextet Philémon, Le Chien Qui Ne Voulait Pas Grandir en winkelt bij labels als Granvat en Smeraldina-Rima.


by ‘Dusted Magazine’ (Eric Mc Dowell, in english): link

Dusted’s own Bill Meyer was onto something when he observed that the Portuguese brothers Norberto and João Lobo should head “the ‘they ought to be scoring movies’ club.” With Sir Robert Williams, the brothers — along with their stable of collaborators, most of them repeats from the 2015 Shhpuma debut and now collectively known as Oba Loba — offer another marvelously varied but compact cinematic sound experience. Despite its relatively short 38-minute runtime, the album proceeds patiently, opening with the stately folk of “Legionella” and moving into the broodier, euphonium-droning “Macarrones.” One effect of the band’s sure-footed advance from one brilliantly executed genre to another — we haven’t even hit group improvisation or psychedelic pop — is suspense: Where are they going? How is this adding up? While those questions are easier to ask than to answer, the segued track changes across the album suggest an overarching continuity, a grand vision. Likewise, though each piece regroups and repurposes the supporting musicians in new settings, a few through lines help to tie things together. One recurring character is Giovanni Di Domenico, whose keyboard ostinati provide a backbone for more than one piece. Another, perhaps the protagonist, is Norberto Lobo himself, who sometimes floats his guitar over the ensemble in the style of Robert Fripp and other times sharpens it to cut through, like Marc Ribot or Raphael Rogiński. And even if, as a sequel, Sir Robert Williams may not depart quite enough from its predecessor, a third installment would be more than welcome.


by ‘Radio Student‘ (Sara Korosec, in slovenian): link

Oba Loba je skupina, instrumentalizacija idej Joaa in Norberta Lobe, portugalskega bobnarja in kitarista. Norberto Lobo, kitarist, katerega zvok se je od Pata Lente iz 2009 pa do zadnje izdaje Muxama precej spremenil oziroma bi lahko rekli, da je potoval od opredeljenosti s portugalsko kitarsko zapuščino k večji neopredeljenosti in hkrati samosvojosti. Plošče, v začetkih izvedene z akustično trubadursko kitaro in vpletenostjo električnih kitar, začnejo kasneje zelo spominjati na kitarske samotarje z drugega konca Atlantika, kot so na primer Loren Mazzacane, John Fahey ali Jandek. Nekako smo se osredotočili na Norberta; ker je kitara na albumu tisti vsenavzoči instrument v vseh svojih oblikah, in ker izgleda, da je Norberto pač z vpletenostjo in diskografijo ta, ki h gonu skupine prida največ.

Pred ploščo Sir Robert Williams, ki jo bomo predvajali v ncojšnji Tolpi bumov, je že v letu 2015 izšel album Oba Loba s praktično enako zasedbo.  Kot je zapisano v spremnem tekstu na Bandcampu, je to projekt, ki je vzpostavljen ravno zavoljo širše instrumentacije idej omenjenega dua, kljub temu, da prispevek h kompozicijam na albumu ni samo njun in da pomembno referirata še Giovannija Di Domenica. Sestav vsebuje že omenjene Norberta Loba na kitari in basu, Joaa na bobnih, Domenica na klavirju in rhodesih, dinamika skupine pa se razširi še z Ananto Roosens na violini in trobenti, Jordijem Grognardom na klarinetu in flavti ter vokalom Lynn Cassiers.

Kompozicijsko je plošča zanimiva z vidika, da je prehajanje med improvizacijo in osrednjo idejo nejasno. Tu ne najdemo soliranja ali improvizacijskih izbruhov, a hkrati je zapolnjena z zvoki, ki najverjetneje niso do potankosti strukturirani.  Nenehno se godi gradnja z dodajanjem plasti, z linijami, ki se dopolnjujejo ter tonsko in ritmično prepletajo v povezano zvočno gmoto. Album je subtilna igra različnih neinvazivnih dinamik instrumentov, ki ne hlepijo po nenehni pozornosti, a hkrati vsakemu bolj fokusirnemu vpogledu razkrivajo nove strukture.

Glasba Oba Lobe jemlje iz različnih žanrskih kotičkov. V neki določeni meri črpa iz preprostosti folka, mešanice minimalizma, rocka, celo free jazza, vzporednic bi lahko potegnili neskončno. Na kratko bi lahko glasbo na plošči Sir Robert Williams opisali kot orkestracijo etno glasbe, ki z le-tem izgubi etno pridih, kot se na primer zgodi s skladboLegionella z albuma Muxama, v kateri kitarska melodija preide v aranžma s trobento in klarinetom. Poleg tega še zvok kdaj pa kdaj seže v najbolj mehko sredico kolektivnega duha jazzovskih zasedb, vendar pa z jazzovskimi referencami tu res ne gre pretiravati. Raznovrstnost seže od skladb z nežnimi na westerne asocirajočimi droni, kakršna je na primer Maccarones, do odprtih akordičnih struktur s sprehodi klavirja, space kitar, nežnimi utripanji trobente, klarineta in roga ter organskim bobnenjem, ki se jim vsake toliko pridružijo vokali. Ali pa na primer fuzija oziroma »world« glasba v Hoinari, ki zelo spominja na Coreovo Sometime Ago. Od nežnih strukturnih prehajanj album proti koncu seže tudi do suverenejših riffov, obkroženih z eklektičnimi instrumentali, ki se razvijejo v Basma-Teain Lenthillas.

Nedoločna interpretacija je nastavljena tudi v vsebinskem smislu. Glede na Norbertovo izjavo, da naslove izbira predvsem po kriteriju zvena besed in da mu je všeč, ko pojmi izgubljajo pomene, je morda nesmiselno poskušati s preambiciozno interpretacijo. Pa vendarle bi potemtakem danes ne imeli kaj deliti in kaj povedati, naslov in naslovnica plošče pa ne bi tako konkretno insinuirala na kolonizacijo. Sir Robert Williams, po katerem se plošča imenuje, je bil v prvi polovici 20. stoletja zaslužen za izgradnjo železnice v centralni Afriki, znotraj tako imenovanega Bakrovega pasu, namenjenega zunanjemu izvozu bakra iz pristanišča v angolskem Lobitu. Skupku skladb, ki so po naslovih nekako vzeti iz različnih kontekstov, težko najdemo skupni imenovalec, je pa napeljevanj veliko. Vsebuje vse, v kar lahko še posebej danes, neposredno ali posredno butneš v enem dnevu, v nekaj klikih ali v slabih 40 minutah raznolike muzike, pa se tega niti ne zaveš. Presoja tako široko in odprto zastavljenega konteksta ravno zaradi naštetih nedoločljivosti morda niti ni smiselna. Svoboda v kateri si interpretacijo teh kontekstov lahko najde vsak sam ali pa se preprosto prepusti glasbenim elementom in interpretacij kontekstov sploh ne išče, je očitno kontekst, v katerem živimo. Sedaj pa se prepustimo zvokom. V nadaljevanju tokratne Tolpe bumov prisluhnimo zasedbi Oba Loba in celoti njihove nove plošče Sir Robert Williams …


by ‘Terapija’ (in croatian): link

Portugalskog gitarista Norberta Loba imali ste prilike upoznati na ovim stranicama putem njegovog šestog albuma “Muxama” (2014), a Oba Loba mu je projekt kojeg vodi s bratom Jõao-m, inače bubnjarem i sampleristom koji ima svoj Jõao Loba sextet što je, dakako uključen na ovaj album. Njih dvojica su u principu većinski potpisnici glazbe na ovome drugom albumu, mada poneke potpisuju klavirist Giovanni Di Domenico, klarinetist i flautist Jordi Grognard, violinistica i trubačica Ananta Roosens, te kolaborativno jednu Jõao Nicolau koji nije član benda. U postavi su još vokalistica Lynn Cassiers koja je vrlo malo zastupljena, više u narativnom pogledu, te Niels Van Heertum na tubi koja daje jako dobar šmek svojim baritonom.

Opisati glazbu benda je vraški zadatak jer u ovih 8 kompozicija provlače svašta, uglavnom u vrlo senzibilnim tonovima od ambijenata, jazzy konotacija, folka, popa i mnogih improvizacija po slobodnom nahođenju jer su izgleda svi muzičari vrlo dobro potkovani instrumentalisti što vješto barataju svakim terenom u kojeg se upuste. Jedina plesna “Honiara” mogla bi zavarati svojom lepršavom vedrinom i toplim ženskim prostornim vokalima (bez teksta) u koje se upušta i Ananta s ‘claphands’ efektima da se ovdje radi o sljedbenicima zadnje pop faze Stereolab, međutim ostatak materijala je kompletno drugačije vrste. Prožet je kombinacijama akustične staccato gitare, ima ponešto i distorziranih solaža, te obilja melodičnih gradacija sa čistim atmosferičnim oscilacijama između minimalizma i orkestracija nadohvat moderne klasične glazbe. Svaka kompozicija, a uglavnom su instrumentali, poredani su u dinamičke aranžmane koji se gotovo pretapaju iz komada u komad tvoreći na određeni način simfoniju od skoro 40 minuta.

Nakon prilično prozračnog uvodnika slijedi razvučeni “Macarrones” koji insinuira neke od znamenitijih faza David Sylvianovog opusa poput spoja one sjajne ambijentalne pop-pjesme “Nostalgia” (album “Brilliant Trees”), ambijenata s “Gone To Earth” i kolaboracija s Holger Czukayom. Drone nije daleko od toga. “O funâmbulo sonâmbulo” je tugaljiva poput fado karmina, kratka “Chuva no zinco” minimalistička a’la The Necks s pretapanjem u naslovnu “Sir Robert Williams” koja pak pokazuje eksperimentalne sklonosti sa sitnim melodijskim jazzy ubodima potisnutim u pozadinu, a u njoj se ujedno pojavljuje i spoken-word, no o čemu prigušeno zbori Lynn nisam shvatio. Isto kao niti jezik na kome priča, engleski, portugalski, nizozemski, neki drugi, hm… S druge strane “Basma-tea” je posve neobičan komad koji se doima da će eksplodirati u space-rock sinergiju duhača, gudača, klavira i električne gitare, no to se ipak ne događa čuvajući koncentraciju za završni psycho “Lentilhas” s repetirajućom melodijom u dvije-tri izmjene tempova, ha, pa nešto poput pop-isticiranijih Tuxedomoon.

Elem, ovdje ima uistinu svačega u glazbenom pogledu i to prilično neodređenog, ali vrlo muzikalnog i melodičnog bez obzira na neke apstraktnije poteze. Za njihov prvi album “Oba Loba” kritičar Clive Bell iz magazina The Wire je dobro primjetio izjavivši da su njihovi ‘hibridni instrumentali kanibalizirajući za popularne pjesme‘, odnosno, da se nadovežem, izjedaju pop scenu svojim kombinacijama svega i svačega u vrlo nježnom i nevinom tonu. Ovom prilikom su takvim suptilnim finesama dočarali poznatog rudarskog istraživača, škotskog Sir Robert Williamsa (1860-1938) koji se između ostalog obreo i u nekadašnjoj Portugalskoj Zapadnoj Africi, danas znanoj kao Angola gdje je u lučkome selu Loba po njemu prozvan željeznički kolodvor. A da li su braća Norberto i Jõao upravo potomci portugalskih doseljenika u Angolu, posve mi je nepoznato, no neke jako dobre čarke karizmatičnosti u svemu ovome itekako ima.




praise on Hard Off:


by ‘Blow Up Magazine’ (Federico Savini, in italian):

Jim O’Rourke alla chitarra, Giovanni Di Domenico al
piano e al Fender Rhodes e Tatsuhisa Yamamoto a batte-
ria ed electronics tornano sul luogo del delitto che nel
2015 battezzò – con un disco omonimo – la ragione so-
ciale dei Delivery Health, oggi a tutti gli effetti una sorta
di trio stabile, visto che spesso si allargano a quartetto
con il grande Akira Sakata e gli ultimi due si frequenta-
no con regolarità da anni (da recuperare i due ottimi al-
bum realizzati con Arve Henriksen dei Supersilent). Qui l’improvvisazione è para-ambientale, parte da auspici
molto flebili per poi crescere poco alla volta, col piani-
smo colto di Di Domenico che dopo aver tratteggiato le
prime movenze di un autentico “organismo sonoro” la-
scia spazio a ghirigori elettrici di O’Rourke mentre Ya-
mamoto lavora di fino sulle risonanze dei piatti. Schema
simile sui due lati, ma il secondo è fatto di una materia
più stridente e severa, col gocciolio del piano che finisce per abbozzare fughe e disegni caracollanti mentre il ruggito noise di chitarra e tastie- re prende il sopravvento senza mai perdere la bussola. Sono musicisti sensibilissimi, con una grande intesa: O’Rourke e Yamamoto formano anche i Kafka’s Ibiki insieme ad Eiko Ishibashi, con esiti similari ma un

suono più uniforme, tra i Necks e la drone-music, men- tre con Di Domenico ogni evoluzione spiazza le attese di chi ascolta, anche perchè il disco si chiude con un cre- scendo muscolare di tumulti ritmici e digressioni noise tra le più efficaci, epiche e originali ascoltate di recente, fra titanismo novecentesco e memorie ancestrali. Questi sono tra i musicisti migliori in circolazione oggi, per chi non lo sapesse. (8)





praise on Delivery Health:


by ‘freejazzblog’ (Joe Higham, in english)**** link

If there’s two musicians that surely complement each other its possibly Jim O’Rourke and Giovanni Di Domenico, both are prolific artists, producing a stream of superb albums in the past few years, and both seem to sidestep current fashions, yet stay musically listenable. So this year starts (or was it last year finished) with Giovanni Di Domenico, Jim O’Rourke and Tatsuhisa Yamamoto’s “Delivery Health”, part of a couple of records that O’Rourke and Di Domenico have collaborated on recently. The group dishes up an excellent slice of improvised music that includes jazz, rock and noise. For those new to these musicians Giovanni Di Domenico plays piano and keyboard, Jim O’Rourke a guitarist (among other things) and Tatsuhisa Yamamoto plays drums. Di Domenico and Jim O’Rourke manipulate (at times) their specific instruments, using electronics or other devices to change their sound. On the other hand Yamamoto stays more (or less) with the acoustic set-up of his drums, which in my opinion helps give the music a truly three dimensional aspect.

The record consists of three pieces, “Transgression is Only Fleeting”, “Passe Muraille” and “Superfield”. They are placed (although maybe not recorded) in such a way that the record develops sonically from a very calm atmosphere to intense noise and feedback before coming back together with a sort of melodic finale. Giovanni Di Domenico and Jim O’Rourke look after the harmonic areas in a very skilled and sparing fashion. Never is there a moment when you feel they’ve over-played or just plain ‘gone on too long’. As with several of Giovanni’s other recordings (such as GOING), the music often has a minimalist direction. This enables the musicians to easily develop subtle ideas both melodically and/or rhythmically, whilst giving plenty space to experiment with their sound. In this case its interesting to hear how much of the development comes from Tatsuhisa Yamamoto and his intelligent use of the drums. Yamamoto, whose playing sits somewhere between the styles of Paul Motian and Edward Vesala, opens up the music like a breath of fresh air. His subtle playing carries you along, integrating the electronic sounds into his rhythms to make subtle and flowing music.

As for finding some comparison or ‘handle’ which gives an idea of the groups sound one only needs to refer to their press release. The group, or record company, gives a nod towards the 70s ECM jazz rock period, presenting the record as a “[…] blend of early 70’s ECM drum sound, [mixed with] long unfolding travelogues […]”, and indeed the group’s sound has elements of that crossover feel which was prevalent in the 70s period, when jazz and rock were closely linked. Its a period that was very productive musically and sonically, music from that period seemed to be less about virtuosity and more about musical values such as improvisation, experimentation, sounds and music. To hear those areas being re-examined is, I would suggest, good news for all.

For all those interested don’t hesitate to head over to Silent Water Records to snap up a copy of this limited edition LP. I’m not sure if there’s digital copies available, but I’m sure any questions will be happily answered by the record company.


by ‘lesondugrisli‘ blog, Guillaume Belhomme (in french): link

L’intention avec laquelle Giovanni Di Domenico fait tourner un motif pourrait rappeler certaines pièces de Morton Feldman : mais les premières secondes de Delivery Health, que le pianiste a enregistré en 2013 avec Jim O’Rourke et Tatsuhisa Yamamoto, sont trompeuses.

Car voici bientôt décalé le motif en question sous l’effet des cordes électriques : O’Rourkefait bien de choisir d’opposer aux aigus du piano des graves capables de polir leur brillance. Plus loin ce sont des merles sur un piano clair et puis, plus intéressant, en seconde face, de longues notes de guitare qui quadrillent l’espace ( ce Superfield annoncé).

Le trio y progresse comme sur un fil – des créatures l’environnent, qui chantent – et finit par aboutir : à ce morceau d’atmosphère qui rappelle de vieilles rengaines krautrock au détour desquelles il ne serait pas surprenant de croiser un Merzbow perdu. L’exercice est donc dense, et cet art de faire de la musique au gré de ses (diverses) envies, au final, plutôt louable.


by Leonardo Di Maio, “Onda Rock” (in Italian): link

Di Giovanni Di Domenico avevamo brevemente accennato, in calce alla recensione del bel disco di Fabrizio Casti in coppia con Elio Martusciello, “Chamber Rites” (Die Schachtel, 2015), tracciando a grandi linee la musica del suo bel 12″ realizzato in coppia con Jim O’Rourke, “Arco”, uscito un paio di mesi fa, sempre per la label di Bruno Stucchi e Fabio Carboni. Di Domenico, ormai quasi quarantenne, è un pianista romano di estrazione avantgarde, che esula da ogni tipo di classificazione di generi e di stili, rifulgendo in un vivo solismo creativo.

Apparentemente, si postrebbe ascrivere al free-jazz. Ma anche questa è un’etichetta che gli va stretta (Di Domenico ha alle spalle un background musicale che è ben lontano dal jazz classico), in quanto ogni suo disco è diverso dall’altro. Trasferitosi a Bruxelles già da diversi anni, ha là fondato una propria etichetta personale, la Silent Water, che stampa i propri dischi nel solo formato in vinile (per ovvi motivi in tirature limitate e numerate, realizzate artiginalmente, ma di ottima fattura), avendo anche un occhio di riguardo alla parte grafica, che appare anch’essa parecchio originale.

Partito inizialmente da influenze jazz canterburiane (si pensi ai Soft Machine) e dalla “fourth world music” di Jon Hassell (grazie alla tromba trattata elettronicamente di Arve Henriksen) con i suoi primi due dischi “Clinamen” e “Distare Stonanti” (gli unici pubblicati in cd da due etichette internazionali, la belga Off & Rat e l’americana Either/OAR, rispettivamente nel 2010 e nel 2012), Di Domenico si è progressivamente spostato verso l’impovvisazione pura. Ma con una particolare attenzione alla materia sonora (nel senso che non si è mai trattato di improvvisazione aleatoria fine a se stessa, ma con un buon grado di comunicabilità e sempre intrigante), producendo nel frattempo un misterioso album di “space jazz” senza titolo in trio con il chitarrista portoghese Manuel Mota e il batterista giapponese Tatsushisa Yamamoto (la foderina interna riporta solo la data di regsitrazione, “November 16, 2014″) e pubblicato all’inizio del 2015 dalla fantomatica SoundShots (probabilmente si tratta di un’autoproduzione dello stesso Di Domenico), contenente un unico e ipnotico lungo brano di trentanove minuti.

Altra sua bizzarria è appunto il 12” composto a quattro mani con Jim O’Rourke, “Arco”, contenente delle improvvisazioni minimaliste da forte sapore trascendentale. Tra le ultime pubblicazioni della Silent Water, va segnalato anche questo mini-Lp “Delivery Health”, contenente solo tre eccellenti brani (registrati in diretta, senza “overdubs”, in uno studio di Tokyo alla fine del 2013), anche questi realizzati con il suo amico O’Rourke insieme al fido batterista Yamamoto, che lo affianca ormai da cinque anni. In questa ennesima prova, il talentuoso pianista/tastierista romano cambia nuovamente rotta e si tuffa a capofitto nella musica creativa degli anni Settanta.

Un disco del genere sarebbe stato perfetto per un’etichetta come la Piano Records di David Cunningham, o per la Ogun, oppure per l’italiana Ictus. In questi tre brani si condensano infatti, con molto gusto e senso della misura, musica concreta, pianismifree, scordature metalliche, percussioni sparse, modulazioni sonore, cinguettii di uccelli, exotica e mille altre bizzarrie strumentali. Particolarmente riuscite, in tal senso, sono “Passe Muraille” e la straniante “Superfield”, che occupa tutto il secondo lato del disco.
Steve Beresford e David Toop sarebbero andati fieri di aver potuto incidere un tale disco nel 1977 o giù di lì. Da menzionare poi la bella e poriginale copertina, realizzata dall’artista grafico Antonio Julio Duarte (quell’enorme iguana su uno sfondo rosso…).

Altre recentissime uscite di rilievo della Silent Water sono il doppio “Duos With Guitars” (inciso solo su tre facciate), che si riallaccia ai duetti creativi di Eugene Chadbourne dei tempi d’oro e il triplo 10″ della pianista (ma molto “sui generis”, dato che pare che suoni di tutto, tranne il piano) Pak Yan Lau, “Books”, recentemente magnificato sulle colonne della prestigiosa rivista “The Wire”.

Giovanni Di Domenico è un nome da tenere d’occhio, assai sottovalutato nella sua madrepatria e molto più apprezzato e stimato all’estero (e i motivi sono facilmente immaginabili). Merita invece molta, ma molta più attenzione, sia da parte del pubblico degli ascoltatori più attenti che della critica specializzata, specialmente italiana. Promosso a pieni voti.


by ‘percorsi musicali’ (Ettore Garzia, in italian): link

Delivery Health (un trio con O’Rourke e Tatsuhisa Yamamoto) potrebbe insinuare una possibile evoluzione di Clinamen o Distare sonanti: brani come Transgression is only fleeting fanno venire alla memoria i pianisti obbliqui dell’Ecm (specie quelli nordici) e la percussività a ricamo di Motian, mentre pezzi come Superfield entrano nella dimensione sonora elettroacustica che è parte del bagaglio di Di Domenico; c’è molto del drone della Radigue, con totale privazione dell’intento religioso e la sostituzione di esso con quello della sovraesposizione, raggiunto attraverso subdole dosi di noise (anche strumentale) ben architettate.




praise on Solo Books by Pak Yan Lau


by Clive Bell, “The Wire”(in english)

review solo BOOKS




praise on ‘II (Machinery)‘ by Going


by ‘freejazzblog’ (Joe Higham, in english)****1/2: link

This is one of those very special records, although this may be a 4.5 star review, there’s no doubt it’s a a five star listen. This is a record that crosses many boundaries and certainly guaranteed to make you not only sit up and listen but also rock around the room (if played loud enough). GOING a Belgian based group, has a skeletal line up which packs a big punch, 2 drummers, Joao Lobo and Mathieu Calleja, and 2 keyboards/synths/objects (and plenty of effects) are Giovanni Di Domenico and Pak Yan Lau. The sound that they come up with could be loosely post-rock, but also closely allied to improvised music (sound wise). To top that off they have a description on their website describing themselves as a “psychedelic groove band”.

The album consists of two beautifully organised pieces. The first side/track Red Machinerydevelops slowly from sparse drums and keyboard sounds into repetitive figures and a complex interlocking groove. The combinations of rhythmic patterns are at the heart of this composition, the melodic seed is simple but varies slightly to blend into (and with) the various patterns. You could ‘think’ of Chicago group ‘Tortoise’ for a reference, Going tap into the same area, overlapping rhythms and rock beats, mixing some great experimental sounds and repetitive riffs, its a delightful combination and very addictive!

The second piece Blue Machinery, has a slightly harder edge. Its brooding atmosphere and constant recurring single note pattern give this a urgent edgy quality. One feels the piece may brake, at any moment, into a up-tempo groove, but the group hold the music back in a way to produce tension. Minimal solo lines give the track just the right balance between a groove and melody, allowing the music to evolve naturally.

The clever combination of two keyboards/effects and two drummers really gives the music plenty of space, and the lack of a bass to drive the group is actually what gives it the group its pure sound. There are plenty of details to hear within the recording due to this combination and the different paths taken by each instrumentalist. There are no real soloists, just co-operative group made music.

This is a vinyl release, with one track per side, although it’s possible to buy a digital version. I received the music on sound-files and I have to say that it seemed (in my humble opinion) a great medium to host this excellent music, as I found myself listening to the two tracks as one long evolving piece.

This is certainly a highly recommended release, and easily accessible to many people interested in either jazz, rock, electronica and the minimalism of post Steve Reich’s world. Anyone interested should quickly head over to their website as this is a limited edition of 300 odd copies.


by ‘lesondugrisli‘ blog, Guillaume Belhomme (in french): link

Difficilement déchiffrable, la pochette du second disque de Going signifie peut-être II dans le langage de celui qui emmène le projet, Giovanni Di Domenico (ici au Fender Rhodes). Avec lui, une jeune femme aux claviers (Pak Yan Lau) et puis deux batteurs (João Lobo etMathieu Calleja).

D’allure plutôt lente, l’improvisation joue de simples répétitions puis de séquences qui se fondent lorsqu’arrive le moment d’une diversion instrumentale (ici une fioriture à l’orgue, là une accélération d’une des batteries…). Un new age à la Tangerine Dream – sur le premier disque de Going, l’influence du krautrock était plus marquée – que vient chahuter l’écho du premier post-rock : c’est en somme la première face du disque.

Sur la seconde, plus enlevée, le groupe se fait plus bavard, tourne un temps en rond sur un prétexte modal, puis lâche un peu de lest pour revenir à un minimalisme répétitif plus convaincant : à force de nouvelles répétitions, Going perce la matière et s’y engouffre : c’est alors là qu’il faut l’entendre.


by ‘Percorsi Musicali’ blog (in italian): link

Un rinnovato e adeguato interesse lo suscita anche un nostro bravissimo pianista romano operante in Belgio e di cui su queste pagine ho avuto modo di parlare e di incensare in passato. Lo scorso anno Giovanni Di Domenico è stato subito ospite dell’Umbria Jazz per un concerto che mi porta ancora rammarico il fatto di non aver potuto assistere alla sua esibizione e il lavoro con Akira Sakata è arrivato sulle pagine di The Wire. Tra i tanti progetti, quelli corroborati negli ultimi mesi sono stati il produttivo duo già citato con Sakata, nonché quello con la jazzista francese Alexandra Grimal (il loro ultimo lavoro per Ayler intitolato Chergui è un’altra perla discografica che va assolutamente scoperta ed assimilata). Ora Di Domenico pubblica in edizione vinilica per la sua label il secondo episodio dei Going, un quartetto formato da lui e Pak Yan Lau alle tastiere e i due percussionisti Calleja e Lobo.
Going II (Machinery)” si snoda in due lunghe suites memori della lunghezza di un disco di progressive rock, ma è un progressive del tutto incubato nelle prospettive stilistiche di Di Domenico e colleghi. La “side A” coglie di striscio essenze diverse: una tastiera che intercetta Third dei Soft Machine ma che si comporta come un macchina minimalista, con ritmica incrociata in continuo controtempo e appropriati effetti di elettronica in odore berlinese. La “side B” invece vi proietta nella parte propedeutica del Davis elettrico con uso di campionamenti che tagliano labilmente i confini dell’ambient music.
Il progetto Going procrastina la versatilità del pianista, che con molta parsimonia ed attenzione sceglie di spingere su progettualità che siano in grado comunque di delineare il proprio pensiero musicale e la lezione diGoing II va inquadrata in quella capsula sonora emotiva percepita a fasi in cui Giovanni illustra un mondo sottinteso, una descrizione del “grande viaggio urbano” che quotidianamente percorriamo nella nostra esistenza.




praise on ‘Oba Loba’, by Norberto Lobo & Joao Lobo


by ‘The Wire’ (Clive Bell, in english):

Oba Loba The Wire

pdf version: Oba Loba – The Wire


by ‘Dusted Magazine’ (Bill Meyer, in english): link

Fornalha, the superb recent solo record by Portuguese guitarist Norberto Lobo, came off like an aesthetic union of American Primitive guitar and the mod-psychedelic mash-up of bow-wielding Creation guitarist Eddie Phillips. Oba Loba, his second duo recording with his drummer/brother João, may submerge his acoustic picking within a densely arranged ensemble sound, but it confirms that the Lobo siblings possess catholic tastes. To call it a duo recording is actually a bit inaccurate. Not only does each Lobo play several instruments, but they have marshaled a group of players whose horns, strings, keyboards, and wordless vocals permit them to open up their stylistic map much wider than they could have on their own. The North Star guiding them on this trip is combination of robust but lyrical jazz and omnivorous pop that Robert Wyatt realized on his post-fall LPs in the mid-’70s and later revisited onShleep. To that they’ve added hints of TV soundtracks, ‘90s Chicago rock, and minimalism that suggest they’ve spent some time digesting Jim O’Rourke’s pre-exile recordings. The result is a varied and consistently engaging sequence of mood-evoking instrumentals that at least temporarily pushes the brothers to the head of the “they ought to be scoring movies” club.


by “Soundofmusic” blog (in swedish): link

Oba Loba är melodiös och sval skiva framförd av en till största delen akustisk sextett, under ledning av bröderna Lobo från Portugal. Norberto Lobo är en erkänt skicklig gitarrist och hans broder João Lobo hittar vi bakom trummorna. Sjunger gör de båda. Musiken sjuder av liv och tangerar flera olika stilar, och efter att ha hört Oba Loba är det svårt att veta om musiken ska kallas pop, jazz, rock eller något annat. Att den gränsdragningen är oviktig för sextetten speglas väl i den kreativa musiken. Om jag ändå ska försöka hitta något som förenar de tio spåren på skivan är det de slitstarka melodierna. De är lika tidlösa som vackra.

Det finns en sprudlande lekfullhet i samspelet mellan musikerna. Medmusikanterna Giovanni Di Domencio (piano, orgel m.m), Ananta Roosens (viloin, trumpet, röst), Jordi Grognard (klarinetter, röst) och Lynn Cassiers (röst och elektronik) faller väl in under brödernas lösa takpinnar och skapar tillsammans en musik med vaga konturer. Färgerna skiftar och melodierna sprakar. Hantverket är det inget fel, vare sig det rör sig om pianopop, brusande gitarrexkursioner, tjutande freak-jam eller lidelsefulla utvikningar i trakterna av den portugisiska folkmusiken Fado. Till och med den inlevelsefulla och fjord-jazziga Bahiiia framförs med en sådan ackuratess att de norska skivbolagen torde ställa sig i kön för att signa sextetten.

När det drivna pianot på avslutande Magari släcks faller ridåerna storstilat till tonerna av ylande saxofoner och intrikata trumrytmer. När musiken tystnat kan jag bara konstatera att jag genomlevt en lika vacker som fulländad skiva.


by “Le Desert Rouge” blog (in french): link

Il est des musiques qui rêvent. Sans auner leurs désirs. A leur lumière, il n’est point de cailloux qui veulent encore faire la tête dure, la sourde oreille. Cela, Norberto et João Lobo ne sauraient l’ignorer : Oba Loba, le second disque du duo, accompagné cette fois-ci de sept complices adeptes des musiques improvisées et tourneboulantes, peut en effet s’entendre comme un musée du rêve. Mais un musée sans poussière ni académisme dans lequel se tissent de fraîches visions cueillies à l’ombre incandescente d’un savoir tous azimuts qui se veut réservoir — plutôt que faire-valoir. La matière la plus simple (au hasard, arpèges songeurs de guitare acoustique, chant féminin angélique, notes perlées de piano, cuivres évanescents, drone hypnotique) sert de truchement entre le concret et l’au-delà, l’ici et l’ailleurs, s’avère douée de cette poésie qui plonge dans le passé afin d’y dévoiler le plus vertigineux des secrets. Voilà qui nous venge de la médiocrité des brodeurs et de leur vaine érudition. On goûtera bien plutôt cette poignée de chansons cannibales sans paroles, cet art délicat de la composition aux harmonies entre chien et loup, ces clairvoyants songes instrumentaux qui s’abandonnent plus ou moins au rythme et tombent même parfois en ruine. Comme dans Aaaaaa où l’onomatopée liminaire se prend les pieds dans le tapis dadaïste lors d’un réjouissant finale accidenté.

L’audace se situe autant dans l’inquiétude qui s’habille d’immobilité que dans le silence qui écoute. Plus orchestral et arrangé que le précédent album, Mogul de Jade (2013), Oba Loba n’a pas peur de sonner détaché. Sa grandeur ramassée sur elle-même et sa sagesse apparente pourraient presque faire figure de bizarrerie dans l’oeuvre virtuose du guitariste lisboète Norberto Lobo. C’est que ce dernier ne confond pas bravade et bravoure — précisément celle qui n’ignore pas que dans la sagesse gît aussi le risque de tout perdre, y compris soi-même. Une mélancolie heureuse s’échappe de ces visions musicales éthérées, de ces lumineuses brisures du retour (la proximité des choix mélodiques semblent se répondre et entretiennent un sentiment de ressassement). De saudade, il est bien évidemment question, de cette « réminiscence impérieuse avec laquelle nous désirons spirituellement ce que nous n’avons jamais vu, ni même entendu ». Cette manière d’être « passé dans le présent » chère à Eduardo Lourenço (Mythologie de la saudade). Une musique de veilleurs demeurant dans une profondeur extasiée et qui nous parvient, pourtant, avec une simplicité étourdissante.


by ‘Criticas Felinas’ blog (in portuguese): link



by ‘Gapplegate Guitar and Bass’ blog (in english): link

Anyone who reads regularly this review blog knows to expect virtually anything and everything that relates to guitar and bass playing, primarily in terms of music that may or may not be virtuoso showcases for artists, but is primarily determined by musical worth and interest.

Today’s album is no exception. It is a Portuguese compositional ensemble headed by acoustic and electric guitarist (and multi-instrumentalist) Norberto Lobo and his brother (?) Joao Lobo on drums (and harp). The album is entitled Oba Loba (shhpuma 014CD).

It is music that does not fit neatly into categories. It has postmodern new music sonarity, jazz-rock, avant jazz, ambient and melodic dynamics, all mixed together in original ways. Norberto and Joao share the writing duties with one composed by Giovanni Di Domenico, who is the primary keyboard player in the ensemble. They are joined by Ananta Roosens on violin and trumpet, Jordi Grognard on clarinet and bass clarinet, and Lynn Cassiers on vocals and electronics. All join in on group vocals from time to time. There are several additional guests who appear here and there. So that takes care of the who.

The what does not go easily into a verbal description. This is original music both cutting-edge and lyrical. I won’t say they sound like Oregon because they don’t. But like early Oregon they create a diversely rooted music that is both tuneful and avant, sometimes alternatingly, sometimes both intermingled. Norberto plays some interesting guitar but everyone contributes and really it is especially all about a group compositional objective. That makes them unique because the group sound does not follow predictable lines though the hearing of it all can be easily appreciated once one gets used to what to expect.

This is a trip in uncharted waters and there are discoveries ahead. Set sail with some provisions and you should find the journey a pleasure and a surprise. Get your ears on this and you will come away with a feeling that you have been to a different place. What better?


by ‘Borguez’ blog (in italian): link

è difficile provare a raccontare un disco che sfugge, defilato, non urgente e neppure afflitto dall’ansia di rincorrere chissà quale scena o pressante contemporaneità: un disco pigro, quasi svogliato, sonnolento e letargico, un disco che si potrebbe definire non necessario ed inutile se non fosse che questi due aggettivi, nel mio vocabolario, hanno la nobiltà della bellezza e la benedizione di qualsivoglia curiosità.
difficile parlarne: si potrebbe partire da un’indirizzo di Lisbona, 21 A Rua do Alecrim, dove in un sottoscala sotto al livello stradale si annida un negozio di dischi che per chi è nato nel secolo scorso (e si ricorda i negozi di dischi) è un piccolo mausoleo di memorie e gioie aggrovigliate al ricordo di cercare dischi, annusarli, guardarli, ascoltarli, riconoscersi e significarsi.

il negozio si chiama Trem Azul, porta il sottotitolo di jazz store, ed è l’evidente traduzione portoghese di Blue Train (se non si fosse ancora capito in che dolci acque si sta navigando): è un luogo sacro (sempre nel mio vocabolario), una specie di aleph di moquette, immaginazione, silenzio e musica meravigliosa e randagia. è insomma un luogo che consiglio di visitare se ci si trovasse da quelle parti (e che non racconterò come fanno i vacanzieri con le diapositive). ma oltre tutto ciò è anche l’indirizzo fiscale dove ha sede sociale l’etichetta Clean Feed che non credo abbia bisogno di grandi presentazioni: ne ha forse bisogno di qualcuna in più la (sotto)etichetta concepita sotto l’ombrello protettivo della Clean Feed che porta il nome di Shhpuma Records nata con l’intento di testimoniare la fervente scena nazionale portoghese (beyond, below and above the jazz!come dicono loro). l’indirizzo postale è sempre il medesimo, ça va sans dire.

ad oggi l’etichetta conta una dozzina abbondante di titoli in catalogo fra i quali splende il nuovo disco dei fratelli Norberto Lobo e João Lobo: chitarrista organico e sperimentale il primo, batterista il secondo. due nomi già annotati sui taccuini più attenti; nel 2013 un disco in famiglia (nello stretto giro della fratellanza) dal titolo Mogul de Jade (Mbari) dove sperimentalismi e lirismi accerchiavano una visione trasversale della tradizione patrìa. il nuovo disco a nome del duo vede invece allargarsi la cerchia degli amici e dei sodali che si sono ritrovati nello studio belga (Studio Grez) del pianista Giovanni Di Domenico: assieme a loro Ananta Roosens (violino, tromba, voce), Jordi Grognard (clarinetti e voci), Lynn Cassiers (voce, elettronica e woodblock). un sestetto europeo ed eterogeneo che ha visto la collaborazione in studio anche di Niels Van Heertum (euphonium), Daniele Martini (sax tenore) e di Gregoire Tirtiaux (batterie, arpa e voci).
un’ensemble cameristico sgangherato e continentale che ha dato voce alle composizioni polifoniche dei fratelli Lobo in libera uscita randagia e migrante fuori dal Portogallo e dentro quest’Europa che fatica a riconoscersi ed annusarsi nei palazzi di Bruxelles ma che ha già senso di esistere nelle sensibilità di chi vive questa fratellanza (più ampia) fra incontri, scambi, riconoscimenti e condivisioni.

Oba Loba (Shhpuma/Silent Water, 2015) è il titolo del loro lavoro che a quanto mi risulta non ha una vera e propria traduzione nell’idioma portoghese. Oba Loba è una specie di palindromo imperfetto allitterante (è bene non cercare la definizione in rete perché credo di essermela inventata), insomma rovesciando il tutto si può leggere Abo Labo che un poco rassomiglia a quel titolo immaginifico che turbò le fantasie dei alcuni fanciulli (fra cui lo scrivente) rapiti da una sigla televisiva evocativa, o per assonanza ricorda il nomignolo del blog cugino di questo che ha avuto un battesimo bizzarro e casuale. ma sono divagazioni personali, trascurabili, che servono a prendere tempo e a girare alla larga da un centro gravitazionale del disco che è al tempo stesso sfuggente e vago. Oba Loba è musica da camera pigra ed assonnata, musica da ensemble strumentale che a volte si mette a canticchiare con fare autistico (Aaaaaaa), musica bislacca screziata di elettronica e di coralità ebbra. un incedere indolente che rifugge gli sperimentalismi eccessivi per inseguire una cantabilità minima, essenziale, fischiettabile: qualcuno potrebbe riconoscervi del prog infantile, altri vederci una perfetta colonna sonora per un film in cui non succede nulla, c’è chi si aspetta che compaia da un momento all’altro la voce di Robert Wyatt (non succederà purtroppo, ma quanto sarebbe stato bello) e chi non si da pace nel cercare di collocare questo disco nello scomparto giusto della propria discoteca ordinatissima.

come si diceva più sopra musica non necessaria, svagata, onanistica eppure incantevole nel descrivere quel lieto niente in cui si è indaffarati ad oziare e non succede proprio nulla. sonnambulismo, suite accennate ed abortite, ritmiche zoppe: c’è da perdersi ed uscirne sconfitti a provare ad abbracciare l’orizzonte ultimo di questo disco. ed in fondo non pare neppure necessario: paiono svagati e svogliati pure i due fratelli nel provare a raccontare.

e se a Norberto Lobo si prova a chiedere quali siano le sue influenze ecco che (neppure troppo) inaspettatamente spunta fuori il nome di Jacques Tati: e la frittata, almeno dalle mie parti, è fatta! avevo detto che era difficile raccontare questo disco ma in realtà credo di essere io a non essere in grado di farlo: è che mi sono lasciato inghiottire in uno di quei gorghi di senso ed illogica allegria che riempiono i miei giorni più fortunati. ho messo assieme un’indimenticabile passeggiata solitaria e mattutina per le discese di Lisbona, un negozio di dischi inenarrabile, un palindromo imperfetto allitterante (?!?), due fratelli svogliati e defilati e la sola evocazione di Jacques Tati che basta a rallegrare ogni istante: e in più questa musica deliziosa e sublime che vi invito ad ascoltare gettando via tutte le mie parole inutili così come si separa una buccia dalla banana, gettandola, ed evitando di scivolarci sopra. il disco è qui, davvero delizioso.
buon ascolto


by ‘Enola’ (Guy Peters, in dutch): link

Eerst en vooral, om foute veronderstellingen meteen de kop in te drukken: Norberto en João Lobo zijn geen broers, of zelfs familie. Het zijn wel allebei muzikanten met Portugese wortels. Terwijl de drummende João een vast gezicht is in België (maar ook ver daarbuiten, en onlangs nog de hort op was met de Italiaanse pianist Giovanni Guidi), als lid van Going, het Manuel Hermia Trio en een resem andere bezettingen, is Norberto een gitarist die vorig jaar nog indruk maakte met zijn soloplaat Fornalha, maar in Lissabon al langer een van de sleutelspelers van de creatieve scene is.

Ze zijn ook allebei bekende gasten op het Brussels label Silent Water, dat een handvol vinylreleases uitbracht met deze twee maar ook een resem andere muzikanten die het niet zo moeten hebben van labels en genregrenzen, waardoor de muurtjes tussen jazz, improvisatie, drone, psychedelica, folk, noise en andere invloeden gretig neergehamerd worden. En hetzelfde geldt eigenlijk voor Oba Loba, dat behendig tussen werelden laveert, zich moeilijk laat vastpinnen, maar van die veelzijdigheid ook net zijn grootste troef en herkenbare identiteit gemaakt heeft.

In tegenstelling tot Mogul De Jade uit 2013, is dit geen duoplaat, maar wordt het tweetal vergezeld door toetsenist Giovanni Di Domenico, violiste/trompettiste Ananta Roosens, rietblazer Jordi Grognard (klarinet/basklarinet) en zangeres Lynn Cassiers, die ook de elektronica meebrengt. Ook hier is het resultaat een combinatie van muziek die hier en daar een filmische suggestiviteit heeft, uitpakt met soms wat opmerkelijke instrumenten en combinaties (harp, percussie, iets dat klinkt als een violofoon en de eufonium van gast Niels Van Heertum), en dat in veelal korte composities die regelmatig al na een halve beluistering blijven hangen.

Door die combinatie van folk, tribale ritmes, repetitieve elementen, eenvoudige thema’s en ongepolijste samenzang, is de nauwste verwant misschien wel Joachim Badenhorsts Carate Urio Orchstra. Ook daar heb je te maken met muzikanten die vooral een achtergrond in de jazz/impro hebben, maar samen klinken als een reizend rootsorkest dat zwalpt tussen oeroude folk, ritualistische muziek en een soms kinderlijke directheid. Oba Loba klinkt soms echt alsof de muzikanten samenkwamen om hun instrumenten te herontdekken. Niet omdat er zomaar wat wordt gedaan, maar omdat het allemaal heel spontaan en onberedeneerd klinkt.

Het bereik is best wel indrukwekkend. Sommige stukken sluiten aan – of eerder: zijn uitgezette versies van – de eigenzinnige folkvariant die Norbert Lobo al langer uitdraagt, maar door het toevoegen van blazers en viool krijgen ze een warme melancholie die erg beeldend is, zoals in “Tous Les Lapins”. In het ritmisch voortdurend verspringende “Kasuari” gaat het er dan weer grilliger aan toe, met gesjeesde kamermuziek vol elektronicageknisper, staccato blazers en haast romantisch pianowerk van Di Domenico. Het tribale aspect krijgt in “Aaaaaaa” (dat is wat gezongen wordt, soms kan het zo eenvoudig) dan weer een sjamanistische draai, alsof er inspiratie werd opgedaan bij een Zuid-Amerikaanse traditie.

En zo baant het sextet zich een weg door die mysterieuze, soms onweerstaanbare wereld, door zwierige jazzy pop/rock als “Olarias” te combineren met de iele drone van “Tak For Sherman” met z’n suizende, fluitende en ruisende klanken, terwijl Lynn Cassiers sirene van dienst is in het dromerige “Bahĩĩa” en eindeloos herhaalde ideeën door het slottrio “Castorium”, “Arpa” en “Magari” waaien. In dat laatste wordt de zo al voluptueuze bandsound nog eens aangevuld met blaaswerk van Niels Van Heertum (eufonium), Daniele Martini (tenorsax) en Gregoire Tirtiaux (baritonsax). Het resultaat is aandoenlijk in z’n onbezorgde eenvoud, een feestelijke uittocht als end credits bij een nazinderende film.

De meesten van deze artiesten zijn vooral geworteld in de Brusselse improwereld, maar het wordt snel duidelijk dat dit ook te goed is om zomaar het snoepje van een kleine kliek hardcore-fanaten te blijven.Oba Loba is een warme, veelkleurige en memorabele plaat die vanuit het experiment een uitnodigend, speels en prikkelend geluid laat horen. De moeite om te ontdekken.


by TIME OUT Lisboa (in portuguese)

oba loba time out lisboa


by ‘Goncalo Frota’ (Publico, in portuguese): link

Ouvido agora, Mogul de Jade parece um disco ingénuo, em que Norberto e João Lobo (sem ligação de sangue) entravam cada um com as duas ferramentas e carpinteiravam belissimamente em conjunto mas em que a música soava, apesar de uma desbragada liberdade, quase sempre a isso: Norberto e João a tocarem juntos. Claro que, pelo meio, havia Bragança, uma canção luminosa, caída de algures graciosamente aos trambolhões, uma peça desasada no meio de outras experiências sempre consequentes mas, percebe-se agora, bastante avulsas. Mogul de Jade não é um disco menor, mas Oba Loba trepou-lhe pela espinha acima.

O que Norberto e João Lobo assinam neste Oba Loba é música de outra ordem. E teria necessariamente de assim ser, uma vez que se apresentam em sexteto — na companhia de quatro músicos pescados nas águas do jazz internacional. Mas em que Norberto, que não desacelera na sua produção solística (ainda há pouco lhe conhecemos o excelente Fornalha), aparece agora mais diluído e, portanto, num modo mais surpreendente. A surpresa é tal que temas como Kasuari e Castoriumsoam a belíssimas homenagens à obra produzida por Simon Jeffes aos comandos da sua Penguin Cafe Orchestra (o dedo cabe aqui também ao piano de Giovanni di Domenico), esse exemplo milagroso de um grupo de música de câmara tão atraído pela música folk quanto pelo jazz quanto pelo minimalismo. Para além da proximidade do universo melódico de Oba Loba com o reportório de Jeffes, é sobretudo a partilha desse referencial triangular que alastra a todo o disco e cava um universo sonoro para o sexteto.

Tal deriva, mais chegada a um dos vértices a cada momento, vai empurrando Oba Loba ao longo dos dez temas, quer evoque drones e modos contemplativos orientais (Aaaaaa e Violynn), quer traga uma harpa que poderia desbravar o caminho de uma canção de Devendra Banhart mas que é tocada como se fosse uma kora maliana nas mãos de Toumani Diabaté (Arpa), quer se chegue à soberba manta de retalhos improvisados reunida por Nuno Rebelo em Azul Esmeralda (Tak for Sherman).

O mais relevante é que, como acontece em Tak for Sherman, de um som aparentemente desirmanado, atirado a perscrutar o ar sem forma definida, há uma música que, pouco a pouco, se impõe numa busca por ordem e beleza. Goncalo Frota, Publico, PT


by ‘Paulo Cecilio (bodyspace, in portuguese): link

Só com os lobos.
A paixoneta começa desde logo em “Tous Les Lapins”, o dedilhar de Norberto Lobo a abrir espaço à
sessão de sopro e ao ritmo suave da bateria, como se num filme estrangeiro onde as histórias se
contam não por palavras mas por gestos. Oba Loba é isto mesmo: uma história com pouco menos
de quarenta minutos contada pelo duo com apelido de uivo, sequela para Mogul De Jade, disco de
2013. História que corre como o fluxo de um rio, sem paragens.

Mas podemos – e devemos – parar de quando em vez: escutar “Kasuari”, por exemplo, no conforto de uma casa outonal, antes de enveredarmos pelas paisagens orientais de “Aaaaaaa”, pequena peça que incorporadrones e chocalhos vários (para além, claro está, da guitarra omnipresente de Norberto Lobo). Não chega? Que tal se a canção partir ao meio e devolver um momento sob a aura do free jazz? Não que este seja um disco do género – aliás, Oba Loba, e sua panóplia de influências e motivos, é francamente inclassificável.

Há muita música, talvez demasiada música, para ser encontrada num disco apenas, neste disco apenas.Oba Loba, disco que mais que nos cerrar os dentes numa perna nos ensina a apreciar toda a natureza que nos rodeia, chegou demasiado tarde para entrar nessa coisa chamada “listas dos melhores”, mas caso tivesse figurado nalguma seria mais que merecido. É impossível não nos comovermos com “Olarias” ou com o chill out de “Bahííía”, o momento mais próximo que Norberto ou João Lobo alguma vez terão estado dos Thievery Corporation. “Castorium” e o final com “Magari” só confirmam o seu estatuto tremendo. Fascinante do início ao fim.




praise on Otona No Kagaku by Kalimi

cover 2 hires

by ‘Freejazzblog’(Joe Higham, in english): link

If there was ever a Zen record then maybe this is it? Kalimi is made up of Giovanni di Domenico (Fender Rhodes and electronics) and Mathieu Calleja (Drums), back with this excellent release of minimalist sound duos. Although the record is dated 2014 its taken awhile for the label, Silent Water Label, to put the record out. However, its a welcome addition to their excellent catalogue of contemporary jazz/improvised music releases which include GOING, reviewed earlier in 2015.

The sound and approach of Kalimi could be described as minimalist (although not in Steve Reich/Philip Glass terms). Built around the use of melody and punctuated noise (one could call it), is at moments truly hypnotic. The music is strongly based around developing the keyboard’s ability to feedback and hold lingering sounds, along with drum beats which not only frame the music, but give the duo a direction. What makes the drum’s approach so interesting is that Mathieu Calleja plays them in a relatively ‘straight-ahead’ manner, and not as abstract splashes of sound. This helps the music to build-up in an organic way and is in part what makes the music easily listenable, although clearly experimental.

Before saying a little about the music it seems (to me) that the record works well when heard as a sort of suit, and not as individual tracks. As record opens we are introduced to the delicate sound world of this duo. With tracks such as “forever high” (tk1) and “otona no kagaku”(tk6) the music hangs in the air ready to move in any direction. However, other pieces offer a more raunchy solution such as the brief “7.1” (tk2), or the fascinating “selfie my ass”(tk3), which much like a card player gradually revealing their hand, leads us into a dark musical territory. But nothing compares with the two heaviest pieces, the violent “b’hier” (tk4), and “9.2” (tk7), which jump straight in to surprise you with high energy sonic attacks, “9.2” is also the last track on the album which closes this excellent record.

Highly recommended to all who enjoy a mixture of jazz, noise and rock – a possible reference point (or ‘tag’) could be Supersilent?


by ‘lesondugrisli‘ blog, Guillaume Belhomme (in french): link

C’est pour le moment la seule référence de Kalimi, duo que forment Giovanni Di Domenico (électronique et claviers) et Mathieu Calleja (batterie) – la paire est déjà associée dans le quartette Going –, mais elle promet.

De voir se développer, notamment, une association qui fait de l’acharnement instrumental le premier élément de ses franches conversations. Au Rhodes, Di Domenico sature souvent quand son électronique multiplie les sorties de piste ou façonne de longs signaux. Quant àCalleja, qu’il agace son partenaire ou marque mollement le temps, il bout sans discontinuer et entretient la flamme qui fait de cette improvisation ex abrupto un bien joli baptême.




praise on Lift Your Toes, by MulaBanda


by ‘Just Outside – Brian Olewnick, USA (in english): link

Another Di Domenico project, again with Lobo in two, along with Daniele Martini (saxophone, percussion) and Bruno Ferro Xavier da Silva (electric bass, electronics, percussion). Miles circa “Bitches Brew” once again hovers over the proceedings on the first of two tracks, with the warped Rhodes and the snare beats; generally, it’s in the same area as the Going recording. Side 2 ventures into entirely different territory, percussion and electronics to the four, constructing odd and intricate rhythmic patterns offset against squalls of harsh noise. It eventually settles into a sizzling kind of industrial area, conjuring images of arc wielding. Somehow, I’m recalling FM Einheit. Interesting track, though, coursing through some unusual areas. Those interested in variations of this order of jazz funk will enjoy.


by ‘Monsieur Delire, Canada (in english and french): link

Wow. Ma première rencontre avec Mulabanda, un groupe italien composé de Giovanni Di Domenico (claviers, élec.), Daniele Martini (saxo), Bruno Ferro Xavier da Silva (basse, élec.) et João Lobo (perc.). Un vinyle composé de deux improvisations sans titre. La première rappelle Elephant9 ou Supersilent – le travail de Di Domenico est saisissant, il semble partout à la fois, ses sons de claviers sont en mutation perpétuelle. La deuxième pièce est plus bruitiste et s’étend un peu en longueur, mais demeure intéressante. Très convaincant dans l’ensemble.

Wow. My first meeting with Mulabanda, an Italian quartet consisting of Giovanni Di Domenico (keys, elec.), Daniele Martini (sax), Bruno Ferro Xavier da Silva (bass, elec.), and João Lobo (perc.). An LP consisting of two side-long untitled improvisations. Side A is reminiscent of Elephant9 and Supersilent – Di Domenico’s work is striking, he seems to be everywhere at once, his keyboard sounds perpetually mutating. The second track is noisier and stretches out a bit too long, but it is still an impressive piece of work. Very convicing as a whole.  


by ‘Percorsi Musicali’, Italy (in italian): link

Mulabanda è il progetto più sperimentale di Di Domenico (un’organico a quattro con Daniele Martini, sax e perc., Bruno Ferro Xavier Da Silva, basso elettrico, e il batterista Joao Lobo): due lunghe suites di circa diciannove minuti l’una che cercano di trovare un giusto equilibrio tra sonorità incarnate dalle macchine musicali e il benessere stabilito dalle risonanze. Un disco creativo dove la scoperta di nuove sorgenti di suono derivato è la prova di una capacità di organizzazione dei suoni che coinvolge anche i territori della musica concreta e dei fields recordings.


by ‘The Holy Filament’, Chile (in spanish) link

Con ánimos de expandir la oferta sonora, Mulabanda ha grabado su segunda obra bajo el título de Lift Your Toes, la cual verá la luz a comienzos de 2013. Diametralmente opuesta a su placa antecesora, en esta entrega nos encontramos con un resultado de desbordante ruido bajo una configuración de 2 tracks de largaduración.

El primer corte viene plasmado de percusiones que se funden en un manto de repeticiones en synth de similitudes sonoras en los primeros pasajes. Luego de brindar los primeros destellos de música no convencional y de características electrónicas, no tarda en entrar un muy bien trabajado segmento de noise que de extraña manera no genera un caos en la columna de la composición y da una personalidad muy fuerte y consecuente al track. Los intervalos de conexión entre espacios “fuertes” están en la mayoría de los casos cubiertos por detalles en la ejecución de las baterías.

El track complementario brinda impresiones industriales en su escucha macro a través de una extensa base de samples quebrados. La adición de baterías rítmicas y extensas vibraciones de bajo eléctrico al ser ejecutado con arco, dan un resultado pegadizo que invita al seguimiento del compás a través del movimiento de cabeza, impresionantemente envolvente y contagioso. La mutación del track es continua y de manera natural implica saltar de un estado alterado de noise hacia un frente de jazz/hip hop que corona de excelente forma esta sesión de experimentación no forzada.

Mulabanda es un proyecto destacable, osado, armonioso y ruidoso a la vez, como para encasillarlos en la vitrina de bandas que proponen apuestas nuevas, y que lo logran con éxito a través de su pequeño pero riquísimo legado de dos álbumes.




praise on ‘I‘, by Going


by ‘Just Outside’ – Brian Olewnick, USA (in english): link

A double duo of two keyboards (Giovanni Di Domenico and Pak Yan Lau) and two percussionists (Joao Lobo and Matthieu Calleja). While I know I’m not the onl one out there with an abiding and unreasonable love of the sound of a distorted Fender Rhodes, I’m probably in smaller company with my long-term affection from that early ECM release from Keith Jarrett and Jack DeJohnette, “Ruta & Daitya” (the former’s last venture into electronics?). Going doubles down on the instrumentation while summoning up a similar post-Milesian spirit, with related rhythms and keyboard scurrying. It lacks the over-the-top funkiness of the earlier work (sometimes the beats are a bit leaden, as in “Fara”). An unfair standard to hold this quartet to in any case and on its own the music flows pretty well. Maybe, in a more contemporary vein, think of it as a variant on Radian or Trapist–enjoyable, lightly beat-driven music with imaginative, keyboard-oriented washes and distortion atop. A fun trip.


by ‘Monsieur Delire’, Canada (in english and french): link

La semaine dernière, j’ai chroniqué un très bon disque de Mulabanda, un groupe qui me faisait penser à Elephant9 et Supersilent. Je maintiens la comparaison avec Supersilent dans le cas de Going, un autre quatuor dont deux des membres font aussi partie de Mulabanda. L’alignement, cette fois, consiste en les claviéristes-électroniciens Giovanni Di Domenico et Pak Yan Lau, et les batteurs João Lobo et Mathieu Calleja. Mélange d’improvisation et de composition sur fond de polyrythmes, claviers aux effets très variés, parfois mélodiques, souvent texturaux. Si “Skal” montre des longueurs, “Nagpapatuloy” et “Mynd” sont fort efficaces et, de toute manière, ce premier opus en met plein les oreilles. Paru sur vinyle, comme le Mulabanda.

Last week I reviewed a very good record by Mulabanda, a band who reminded me of Elephant9 and Supersilent. I maintain the comparison with Supersilent in the case of Going, another quartet with two members also playing in Mulabanda. The line-up this tim is keyboardists/electronicians Giovanni Di Domenico and Pak Yan Lau, with drummers João Lobo and Mathieu Calleja. A blend of composition and free improvisation resting on a bed of polyrythms, with variously-effected keys that can sound both melodious and textural. “Skal” goes on for too long, but “Nagpapatuloy” and “Mynd” are strong tracks and, in any case, this debut LP has a lot to offer.  


 by ‘Enola’, Belgium (in flemish): link

Dat de klassieke rockformatie gitaar-bas-drum al lang niet meer zaligmakend is, behoeft geen verdere commentaar. De talloze groepen die net in uitgebreidere of minimalere bezetting werken zijn niet te tellen, al blijven ook hier bepaalde combinaties de voorkeur genieten boven andere. Het geeft echter geen keer zich hierop blind te staren, want zonder goede songs is zelfs de meest exotische samenstelling niet meer dan een mislukt experiment.

Wat dat betreft, hoeft het Belgische Going zich vooralsnog geen zorgen te maken. Want ook al trekt de groep in de eerste plaats de aandacht door zijn ongewone bezetting van twee drummers en twee pianisten/orgel- en keyboardspelers, het zijn wel degelijk de songs zelf die de bands debuutplaat I meerdere luisterbeurten ontlokt. Uiteraard brengt de aparte samenstelling bepaalde keurslijven en beperkingen met zich mee (hier geen vlotte popsongs), al biedt het net zo goed kansen en mogelijkheden die andere groepen niet hebben of zien (wie zichzelf beperkt, dwingt zichzelf immers ook creatief te zijn). En ook al wordt het experiment op dit debuut nog voorzichtig en behoedzaam aangepakt, de meerwaarde is wel degelijk aanwezig.

”Iri” start veelbelovend met rommelende geluiden die overgaan in heldere bellen die overstag gaan wanneer niet alleen nieuwe orgelklanken zich aanbieden, maar ook de drums een solide basis neerleggen. Echo’s naar obscure jaren tachtig horror- en sc-fi-flicks zijn nooit ver weg, met een speciale vermelding voor John Carpenter uiteraard. Vreemd genoeg laten de nochtans geschoolde muzikanten enkele malen op een storende manier het ritme vallen (doelbewust ongetwijfeld) en dat dreigt de vaart van het nummer te verbreken. Het is een kleine smet op een song die zich in zijn tweede helft evenzeer weet te bewijzen door opnieuw voor tegendraadse ritmes te kiezen die ditmaal wel passen binnen de zee van geluiden.

Nu de toon gezet is, kan er moeiteloos overgeschakeld worden naar “Mynd”, een op tribaal echoënde beats voortbordurend nummer dat de keyboards/orgel de teugels laat vieren in een dronken wals. “Pral” heeft — nog meer dan de vorige songs — een duidelijke voorkeur voor een afgemeten ritme waarboven de vrije klanken van keyboards en aanverwanten zweven kunnen. De onderhuidse dreiging die in het bijzonder van de drums uitstraalt, vindt een “partner in crime” in de keyboards die opteren voor een glazen geluid. Van een geheel andere orde is het “afsluitende” (van de eerste plaathelft wel te verstaan) “Fara” dat zich als een nukkige motor op gang trekt en met een gestage, trage gang verder sleept. Het contrast tussen de “slome” drums en speelse orgels weet helaas niet over de hele lijn te overtuigen, al blijft het doel van de band wel herkenbaar.

De tweede plaathelft opent met het knappe “Nagpapatuloy” dat zich duidelijk fan verklaart van de kosmische jaren zeventig en via het toetsenwerk zowel lome baslijnen als buitenruimtelijke melodielijnen. De standvastige beats zorgen zowel voor een houvast als een tegendraads antwoord dat zich bij een te bewuste beluistering opdringt, maar zich binnen een totaalervaring uitstekend van zijn taak kwijt. Het korte, dreigend slepende “Ag Dul” houdt het bij louter keyboards en vormt de perfecte brug naar het uitbundigere “Skal” dat de drums “vrije loop” laat en zich van een meer jazzy kant toont . Het is de enige song waarin de drums echt op de voorgrond treden en de nochtans energieke keyboards naar het achterplan weten te dwingen. Opvallend genoeg is het ook het enige nummer waarin de meerwaarde van twee drummers pas echt uitgespeeld wordt en de band voluit zichzelf durft te zijn.

I is duidelijk schatplichtig aan de jaren zeventig met in het bijzonder kosmische muziek en oude horror- en science fictionsoundtracks, zij het dat Going minder rechtstreeks dan pakweg Köhn naar het tijdperk en genre knipoogt. Toch weet de groep zich te weinig uit een opgelegd keurslijf te wringen waardoor het potentieel van de bezetting slechts in “Skal” echt tot zijn recht komt. I is daardoor geen plaat geworden die een zelfbewuste beluistering voluit doorstaat, al is dat laatste niet vreemd aan het genre op zich. Wie evenwel bereid is mee te gaan in de atmosfeer die Going creëert, kan in het album een wonderbaarlijke trip vinden die bovenal laat horen waartoe de groep in staat is, op voorwaarde dat hij echt bereid is de teugels te laten vieren.

I is uitgebracht op 500 exemplaren en kan onder meer via de website van het label besteld worden.


by ‘Percorsi Musicali’, Italy (in italian): link

Il nome scelto da questo gruppo non è probabilmente casuale: Going potrebbe essere una parafrasi di Gong, il famoso gruppo di Canterbury con cui forse condivide alcuni riferimenti: se Gong sta per l’inizio di un procedimento o di un movimento, Going indica un avanzamento in corso continuo. E la musica ne dovrebbe rispecchiare le prerogative. Qui i synths emuli del progressismo musicale inglese degli anni settanta si uniscono al beat implacabile del duemila: atmosfere che stanno in mezzo al guado tra creazione della trama e reazione sonica. I partecipanti al quartetto, oltre a Di Domenico, sono la tastierista belga dai natali a Honk Kong, Pak Yan Lau, e i due percussionisti, il portoghese Joao Lobo e il francese Matthieu Calleja. L’obiettivo è quello di raggiungere un ragguardevole risultato d’avanguardia tramite una scrittura ampia che comprende anche una serie di rumori/suoni campionati e selezionati al fine di dare un immagine non fredda dell’elettronica combinata con gli strumenti ed aderente all’espressione del gruppo.


article appeared on Belgian ‘RifRaf’ Magazine about the fisrt 2 releases by Silent Water (in french): link

Going. Comme Boeing. Comme Mulabanda. Tout là-bas, vers le trou noir. Opacité immédiate, décollage latent, il faut du temps et/ou un certain dégoût de la pop conven-
tionnelle et/ou une propension à la transe pour rentrer dans ces deux pièces maîtresses. Ou bien l’envie d’en découdre avec autre chose, la volonté de creuser dans la niche, de connaître par les gouffres. Il convient donc d’abord de saluer Silent Water, nouveau label bruxellois qui sort ces deux références en vinyle numéroté (500 pour le premier / 444 pour le second), des disques qui impressionnent par leurs capacités à dégager une puissance inouïe sans jamais tomber dans la violence, la fureur ou l’explosion. Bidouillages électroniques, claviers triturés, malmenés, poussés à leurs limites, boucles opiacées saturent l’espace et convergent vers le même but : le grand trip urbain qui s’écoute à l’horizontal, dans les vapes. Une chevauchée sonique très noire, très ralentie, dronesque dans l’esprit qui pourrait autant séduire les amateurs des Liars que ceux de Mountains (le groupe de l’excellente écurie Thrill Jockey). Près de chez nous, on pense tout simplement aux inclassables South Of No North. Deux hommes-machines officient dans les deux groupes : Giovanni Di Domenico et Joao Lobo, respectivement aux claviers et à la batterie. Issus du même ADN, Going et Mulabanda n’en ont pas moins leurs propres singularités. Le premier avec ses deux claviéristes et ses deux batteurs crée un groove désarticulé, saturé, répétitif. Le deuxième avec
l’ajout d’un saxophone constamment distordu frôle par moment le bruitisme pur (face B). Ecouté au bon moment, avec les expédients idoines, ça peut être une belle claque. (lg)